BRAFA | BOOTH 47

Figure majeure de la scène artistique new-yorkaise des années 1970, Gordon Matta-Clark (1943-1978) a développé une pratique multidisciplinaire marquée par sa formation d'architecte et mêlant performance, art conceptuel et land art. Il a ainsi posé les bases de la sculpture sociale et de la praxis sociale comme formes de création artistique. 

Matta-Clark est surtout connu pour ses interventions éphémères dans des bâtiments voués à la démolition. Il a littéralement déconstruit ces espaces : coupant des maisons en deux, retirant des sections de plancher, et créant des sculptures monumentales à l'échelle des bâtiments. Il activait ainsi les lieux abandonnés grâce à une pratique singulière de réduction et de négation.

À la BRAFA, nous avons une section spéciale consacrée à Office Baroque (1977), l'une des dernières interventions de Matta-Clark, réalisée en Belgique un an avant sa mort prématurée en 1978, à l'âge de 35 ans. L'artiste a exécuté une série de coupes géométriques complexes en trois dimensions, basées sur des motifs de cercles superposés, qui traversent systématiquement les cinq étages d'un immeuble de bureaux à Anvers.

Le stand inclu également des collages rares de ses séries Splitting (1974) et Conical Intersect (1975), qui traduisent ses coupes architecturales en compositions photographiques méticuleuses et stratifiées, incarnant son concept "d'anarchitecture". Ses photocollages résument sa vision de l'exposition des couches cachées dans des environnements urbains négligés, créant des perspectives obsédantes et multidimensionnelles qui se répercutent dans l'art contemporain.

Matta-Clark a fait l'objet de rétrospectives majeures au Museum of Contemporary Art de Chicago, au Whitney Museum de New York et au Jeu de Paume de Paris, ainsi que d'innombrables autres expositions importantes. Le travail de Matta-Clark est représentée dans d'importantes collections publiques, dont le Metropolitan Museum of Art, New York ; le Museum of Contemporary Art Chicago ; le Museum of Contemporary Art, Los Angeles ; le Museum of Modern Art, New York, entre autres.

Joana Vasconcelos est une artiste visuelle portugaise dont la carrière s'étend sur plus de 30 ans et sur une grande variété de média. Connue pour ses sculptures monumentales et ses installations immersives, elle décontextualise les objets du quotidien et actualise le concept d'art et d'artisanat pour le XXIe siècle, établissant un dialogue entre la sphère privée et l'espace public, le patrimoine populaire et la culture raffinée. Elle questionne le statut des femmes, la société de consommation et l'identité collective avec humour et ironie.

Vasconcelos a exposé trois fois à la Biennale de Venise. En 2005, son installation The Bride a reçu un accueil international. En 2013, elle a représenté le Portugal avec le tout premier pavillon flottant. En 2012, elle a été la première femme et la plus jeune artiste à exposer au château de Versailles, et son exposition a attiré un nombre record de 1,6 million de visiteurs. Elle a présenté des expositions individuelles à la Royal Academy of Arts de Londres, au Grand Palais de Paris, au Palazzo Grassi de Venise entre autres. Elle est l'invitée d'honneur de BRAFA 2025.

La galerie inaugure simultanément l'exposition The Enchanted Forest qui transforme la nef muséale avec une installation unique de Joana Vasconcelos, inaugurée le 1er février.

Lita Albuquerque est une figure majeure du Land Art et du mouvement Light & Space. Elle est née en 1946 à Santa Monica, en Californie, et a passé son enfance en Tunisie, à Paris et aux États-Unis. Albuquerque émerge sur la scène artistique californienne grâce au mouvement Light and Space. À la fin des années 1970, elle acquiert une reconnaissance internationale pour ses installations éphémères de Land Art. À travers des pigments colorés dans des paysages naturels, elle questionne la cartographie, l'identité et le cosmos. L'artiste s'intéresse à notre place dans l'immensité de l'espace infini et du temps éternel.

Parmi ses principales expositions récentes, citons la rétrospective Light and Space à Copenhagen Contemporary Denmark (2021), Groundswell : Women of Land Art, au Nasher Sculpture Center, Dallas, Texas, États-Unis (2023), et la Biennale de Venise. Ses œuvres font partie de nombreuses collections importantes, dont le Metropolitan Museum of Art, le Getty Trust, le Whitney Museum of American Art, le LACMA et le MOCA.

Depuis les années 1990, l'artiste français Renaud-Auguste Dormeuil, né en 1968, explore et critique dans son œuvre les dynamiques du pouvoir unilatéral et la subjectivité des perspectives. 

Renaud Auguste-Dormeuil, distingué par le Prix HSBC pour la photographie, le Prix Meurice pour l’art contemporain et le Prix 1% marché de l’art, a également été pensionnaire de la Villa Médicis. Son oeuvre, exposée dans d’éminents musées et institutions à travers le monde incluant, le Musée d’Art Moderne et Contemporain de Nice, Palais de Tokyo, Fondation Ricard, Fondation Caixa, Swiss Institute de NY, entre autres, est intégrée dans les collections majeures de musées d’art contemporain, fondations et collections privées.

Artiste français d’origine vénézuélienne, Carlos Cruz-Diez est né à Caracas en 1923 et est décédé à Paris en 2019. Il vivait et travaillait à Paris depuis 1960.

Le courant artistique de l’art optique et cinétique revendique "la prise de conscience de l’instabilité du réel". Carlos Cruz-Diez fait partie des acteurs majeurs du mouvement. Ses recherches font de lui l’un des penseurs de la couleur du XXe siècle. L'artiste conçoit le phénomène chromatique comme une réalité autonome, évoluant indépendamment dans l'espace et dans le temps en un présent continu.

À BRAFA, la galérie présente une Physichromie de Cruz-Diez, une structure conçue pour révéler certaines circonstances et conditions de la couleur, changeant selon le mouvement du spectateur et l'intensité de la lumière ambiante. Elle crée ainsi une situation additive, réfléchie et soustractive de la couleur qui se projette et évolue dans l'espace.

Thomas Devaux développe actuellement un ensemble intitulé Cet Obscur Objet du Désir. Il y questionne les nouvelles transcendances du monde contemporain. A la manière d’un système de surveillance, la série Shoppers capture de manière distanciée le mouvement d'échange du consommateur lorsqu'il effectue ses achats ou qu'il déambule avec ses sacs de courses.  « Dans des attitudes quasi zombifiées, le Shopper est traité visuellement comme une figure saignée à blanc, anonyme et pourtant singulière, » selon Michel Poivert.

L’œuvre-miroir Dichroics consiste en une pièce presque invisible tant elle reflète celui ou celle qui le regarde, grâce au choix du verre éponyme permettant une double opération lumineuse (la lumière traverse le verre mais aussi s’y réfléchit). Aveuglant le spectateur, cette œuvre au cadre doré à la feuille incite le spectateur à satisfaire ses éventuelles envies de selfies, entouré des autres œuvres de l’exposition. Cet Obscur Objet du Désir apparaît comme une fable plastique par laquelle le public peut prendre conscience de sa propre consumation.

Thomas Devaux est photographe plasticien français né en 1980, il vit et travaille à Paris. Il participe chaque année à de nombreuses expositions et de grandes foires internationales avec des événements récents au Centre Pompidou, à la Maison européenne de la photographie et à la boutique Louis Vuitton à Paris, entre autres. Ses œuvres font partie de prestigieuses collections privées ou publiques, comme celle de la BNF.

Michel Mouffe est né en 1957 à Bruxelles, en Belgique.  Les peintures de Mouffe s’apparentent à des toiles-sculptures. Au premier abord monochrome, la toile est pourtant recouverte de multiples couches aux couleurs variantes. Ce procédé crée une peinture lumineuse, presque satinée. La patience fait donc partie intégrante du processus créatif de Michel Mouffe. Une patience qui se transmet au spectateur dans un appel à la méditation. L’ossature métallique qui jaillit de l’arrière de la toile lui donne vie, la rend presque organique.

Ses oeuvres sont présentes dans les collections internationales telles que : Buycksan Group Museum, Seoul, Korea ; Axel Vervoordt Foundation, Antwerpen ; M HKA Museum of Contemporary Art, Antwerp, Belgium ; Musée d’Ixelles, Ixelles, Belgium ; Musée L, Louvain-La-Neuve, Belgium ; PMMK Provincial Museum of Modern Art/ Mu.ZEE, Oostende, Belgium ; Royal Museums of Fine Arts of Belgium, Museum of Modern Art Collection, Brussels, Belgium.

Leo Orta est un artiste et designer né en 1993 à Paris. À travers une variété de médias, y compris la sculpture, l'installation, la peinture et la performance, le travail de Leo Orta questionne la nature existentielle de l'être humain. Il examine les liens sociaux et émotionnels que les humains créent au sein de leurs communautés et environnements.

Leo Orta expose internationalement, comme à la Functional Art Gallery à Berlin en 2019; à Friedman Benda à New York en 2022 ou encore à Pékin à la galerie Sohe en 2023. Depuis 2022, ses oeuvres font partie des collections du Musée national d’art moderne-Centre de création industrielle.