PARIS PHOTO | BOOTH B29

Le stand de la Galerie La Patinoire Royale Bach à Paris Photo met en lumière l'œuvre de trois artistes novateurs, autour de leurs pratiques du collage et du découpage photographique. Parmi eux, Gordon Matta-Clark (États-Unis, 1943-1978), figure singulière de la scène artistique new-yorkaise des années 1970, reconnu pour ses coupes radicales dans les bâtiments, interventions audacieuses qui transformèrent des espaces architecturaux en sites de perturbation créative. Les œuvres présentées à Paris Photo, incluant des collages issus de ses séries emblématiques telles que Splitting (1974) et Conical Intersect (1975), transforment ses découpes structurelles en compositions photographiques complexes. Ces photo-collages, qui incarnent son concept d'« anarchitecture », révèlent des strates cachées dans des environnements urbains délaissés, offrant de nouvelles perspectives multidimensionnelles captivantes.

La présentation coïncide avec une exposition majeure de Matta-Clark, visible jusqu'au 21 décembre 2024 à la Galerie Patinoire Royale Bach à Bruxelles. Matta-Clark a fait l’objet de rétrospectives majeures au Museum of Contemporary Art de Chicago, au Whitney Museum de New York, au Jeu de Paume à Paris. Ses œuvres figurent dans des collections publiques importantes : Metropolitan Museum, Museum of Contemporary Art de Los Angeles, MoMA

Aux côtés de Matta-Clark, Lebohang Kganye (Afrique du Sud, née en 1990) découpe et sculpte ses photographies confèrant à ses œuvres une dimension théâtrale. Sa pratique consiste se réapproprier des récits historiquement oppressifs, transformant notre mémoire par son utilisation unique du collage et de la performance. A travers les compositions superposées de son œuvre Two Stories of (Hi)Stories (2023), l’artiste invite le spectateur à plonger dans des récits complexes, où Kganye elle-même endosse les rôles de diverses figures historiques, tissant ainsi de nouveaux souvenirs dans un passé contesté. Son art réinvente les histoires postcoloniales, éclairant au sens propre comme au figuré, les récits méconnus.

Kganye tiendra une importante exposition monographique à la Galerie Patinoire Royale Bach en 2025 à Bruxelles. Elle sera également mise à l’honneur dans la prochaine exposition New Photography au MoMA, en 2025, et a récemment reçu le Prix de la Fondation Deutsche Börse (2024). L'artiste a exposé récemment à la TATE, à la Fondation Barnes, à l'Art Institute of Chicago, à la Galerie d'Art de l'Université Yale, au Pavillon Sud-Africain de la 59e Biennale de Venise, entre autres. Ses œuvres figurent dans les collections de plusieurs institutions renommées telles que le Smithsonian, l'Art Institute of Chicago, le Getty Museum, le Museum of Fine Arts, Houston, le Musée d'Art Moderne de Paris, le Victoria and Albert Museum, la Collection Verbund, la Collection Walther, et le Carnegie Art Museum, entre autres.

Carmen Winant (Etats-unis, née en 1983), complète ce trio. Artiste américaine contemporaine, elle adopte une approche féministe et basée sur la recherche pour examiner la représentation des femmes dans notre société. À travers l'utilisation d'images trouvées, Winant crée des collages et des installations qui explorent l'incarnation, le pouvoir féminin, et la mémoire collective. Ses œuvres présentées à Paris Photo, inspirées par les dessins de mandalas et nourries par la lecture d’ouvrages sur le féminisme et la guérison, composent des modèles cosmiques d'interconnexion, méditant sur la communion physique et la résilience collective. Les compositions de Winant, avec leurs images répétées et leurs formes diagrammatiques, évoquent une unité à la fois spirituelle et politique, symbolisant la totalité à travers des récits entrelacés.

Fellow du Guggenheim dans le domaine de la photographie, Winant a exposé son œuvre majeure, 'The Last Safe Abortion' (2023), à la Biennale Whitney de 2024. Elle a également présenté ses travaux au Museum of Modern Art, à Photo Elysée, à la Fondation Aperture, au FOMU d'Anvers, au Museum of Contemporary Photography, à l'ICA de Boston, au Sculpture Center et dans d'autres lieux prestigieux. Ses œuvres figurent dans des collections majeures telles que celles du Museum of Contemporary Art de Los Angeles, du Museum of Modern Art de New York, et du Museo Universitario Arte Contemporáneo de Mexico, entre autres.

Lita Albuquerque, Stephen Gill et Rafael Y. Herman, quant à eux, adoptent des approches rigoureuses et processuelles dans la création de leurs œuvres, explorant la relation complexe entre les êtres humains et le paysage. Dans sa série The Sol Star (1996/2014), l’artiste féministe et pionnière du Land Art Lita Albuquerque (États-Unis, née en 1946), superpose des photographies de dessins qu’elle a réalisés à l’occasion de sa célèbre installation aux Pyramides de Gizeh en 1996. Cette œuvre marquante, où l’artiste a tracé une carte des étoiles sur les sables du désert, incarne la connexion profonde entre la terre et le cosmos, élément central de sa pratique artistique. Les images capturées reflètent la subtilité, la grandeur et l'intimité de la relation de l'artiste avec la terre et le ciel. Albuquerque a récemment participé à l'exposition Groundswell Women of Land Art au Nasher Sculpture Center, à l'exposition Light & Space au Copenhagen Contemporary et a été mise à l’honneur dans une importante exposition monographique, Early Works, à la galerie en 2024.

Dans sa série The Pillar (2015-2019), Stephen Gill (Royaume-Uni, né en 1971) emploie une caméra sensible au mouvement pour immortaliser des oiseaux dans une diversité de formes et de mouvements, évoluant autour d’un pilier situé dans son champ visuel. Ce photographe britannique, célèbre pour ses livres d'art primés, a vu son ouvrage tiré de cette série récompensé par le Prix du Livre Auteur aux Rencontres d'Arles en 2019. Ses œuvres enrichissent les collections de la National Portrait Gallery, du Victoria and Albert Museum, de la Tate Modern, du Moderna Museet, entre autres.

Enfin, Rafael Y. Herman (Israël, né en 1974), réalise des prises de vue nocturnes dans certains des rares lieux encore exempts de pollution lumineuse, soulignant ainsi l’intrusion humaine croissante dans les derniers sanctuaires sauvages de notre planète. Utilisant de longs temps d'exposition, il capture ces paysages qu'il a perçus mais non vus à l'œil nu, les révélant uniquement à travers son objectif. Les images qui en résultent, de grandes impressions oniriques aux palettes envoûtantes, ont été exposées au musée MACRO, au Palazzo Real, au Ludwig Museum, et ses œuvres sont présentes dans des collections telles que celle du MAXXI et du V&A Museum.